孤煙
八十年代入行，先后合作過TVB、新藝城，銀河映像等制片公司，在他的掌鏡下，誕生了《英雄本色》、《一個字頭的誕生》、《倩女幽魂》、《喜劇之王》等雋永的作品，香港電影金像獎七次提名，現在仍以充沛的熱情前行在電影創作的路上。他經歷了膠片到數字的更迭，見證了香港電影的起落，有很多故事，藏了很多秘密
從TV8到新藝城
黃永恒在學生時代就對攝影很感興趣，但并沒有做攝影師的計劃。當時TVB如日中天，是香港眾多影視從業者心目中的圣殿，黃永恒的一個同學在TVB做收音助理，在他的介紹下，黃永恒也得到了進入TVBI作的機會。但他在TVB并沒有過久停留，就和同學出來自己成立了攝影器材租賃公司。在這個階段，黃永恒掌握了很多攝影技術，包括組合新器材，如何做器材的保養。由于有攝影基礎，加之公司業務的擴展，黃永恒開始負責外景拍攝工作，從攝影師助理慢慢做起，開啟了他的攝影師之路。
黃永恒入行時，正是香港電影的黃金時代。洪金寶、成龍等動作明星繼李小龍之后，繼續鞏固香港功夫片在東南亞的地位，洪金寶的《贊先生與找錢華》、 《雜家小子》、《敗家仔》，如今已被觀眾奉為詠春拳教科書。在這些經典作品背后掌鏡的，是由攝影師入行、后一躍成為導演的劉觀偉。黃永恒入行正是從劉觀偉的攝影組開始。“我跟劉觀偉的攝影組，第一次見到這么厲害的場景?！彪m是30年前的往事，但現在回想起來，黃永恒還記憶猶新。
參與了幾部電影拍攝之后，黃永恒轉投新藝城。在十年的鼎盛期，新藝城憑一己之力，抗衡嘉禾、邵氏兩大巨頭，從《鬼馬智多星》到《倩女幽魂》，在香港電影史上留下了濃重的一筆。香港電影一直以來，在制作流程上都不完善，片場往往一個人要做幾個人的事，攝影師更是如此。但到了《最佳拍檔》，攝影師陳俊杰改變了這個傳統。陳俊杰是從英國求學回港，拍胡金銓的《山中傳奇》拿了金馬獎，他規范了環節，細化了工種，他是香港第一個攝影指導，有專門的燈光師幫手。黃永恒跟了他五年，從《最佳拍檔》到《打工皇帝》汲取了不少經驗。
《英雄本色》一役成名
拍完《打工皇帝》，黃永恒參與了吳宇森的《英雄本色》，這是他第一次獨立掌鏡，同時得到了香港電影金像獎、臺灣金馬獎的最佳攝影提名，并奪得了金馬獎。值得一提的是，這是他第一次提名金像獎并輸給了杜可風（《老娘夠騷》）。
《英雄本色》拿獎讓黃永恒聲名鵲起，為他后續的事業打開了一片天，但事情都有兩面性，這個獎對他也帶來了不少困擾?！啊队⑿郾旧穼ξ业膸椭隙ㄓ校矌砹肆硗庖粋€問題，每個導演都想找我拍動作戲，槍戰、警匪，持續許多年我都被定性在這一類型片，反之容易獲獎和贏口碑的文藝片、愛情片就沒有人找我?！?/p>
拍《英雄本色》的經歷讓他很難忘，吳宇森的要求很高，八九十年代香港警匪片很流行，但粗制濫造者居多，比如墻壁里有火花爆出來，很多導演為了趕工和節約成本，只在表面貼個膠布，涂一層顏色就開拍，從來不敢給特寫，而吳宇森要求把墻壁鉆一個洞，把電線放在里面，然后再貼膠布、涂顏色，這樣墻壁表面光滑如初，非常完美。但這對攝影師是一個挑戰，因為不能確認爆點在哪，只能憑記憶去抓鏡頭，拍的時候高一點、低一點都會影響畫面，當時最多兩個機位，攝影師的壓力很大，一旦NG特別麻煩，又要重新布景裝彈藥。香港人都有很好的適應能力，在制作上也在不斷進步，到了《辣手神探》，為槍戰專門制作了石膏板，在石膏板后面裝反應彈，這樣即便有NG，也可以迅速換上一塊新的石膏板，節省時間。
香港導演擅于學習，迅速進步，一部有創新的戲出來，不超過一年就會被其他導演學會，因此80年代的《英雄本色》引領了槍戰片的風潮，并為整個類型片的質量帶來大幅度的提升。談及最想合作的導演，黃永恒表示肯定是吳宇森，不僅僅是因為通過吳宇森的《英雄本色》敲開事業的大門，更因為吳宇森精益求精的創作態度。
攝影師不是穩定職業
作為攝影行業的佼佼者，黃永恒一直片約不斷，九十年代的黃金期，最多一年接拍4部電影，當時香港電影產量高，拍攝周期也短，《倩女幽魂》只用了三個多月就拍攝完成，通常一部電影一個多月就拍完，每年的八、九月份就開始拍賀歲檔，春節后即開工暑期檔的電影。但在他看來，攝影師并不是一份穩定的工作，現在香港攝影師協會大概有100多人，但香港每年有30多部電影，參與合拍片的攝影師不算多，所以還是有不少人沒有工開。因此他并不希望子承父業。
對話實錄
《倩女幽魂》等電影，都有很多夜間拍攝的戲，如何布景？在器材上如何選擇？
在布景方面要先和導演溝通，如果受限制的話，就把環境縮小一點。 《倩女幽魂》建的景比較大，所以夜戲用了兩臺升降車，盡量拍的大氣一點。當時用的是膠卷拍攝，感光度500，因為我不太滿意800的質量。用C4的光圈，才能滿足升格拍攝的要求，而動作戲上，使用了變焦鏡頭，但光圈就沒那么大了。
拍動作戲升格比較多？
每個動作導演拍戲時，很多動作瞬間閃過是看不過來的，正常格拍攝難以展現細節，想看清楚，就要用升格。每個升格的動作都有不同的效果，可能會用50格，也可能最快用到300格去拍，所以還是要看導演想要表達什么。
對于沒有武術功底的演員，在動作戲上有很大局限性吧？
看每個人的天分，有些人不能打，就看武術指導怎樣處理，或者直接用替身。有些演員會找一些與他神態很像的替身，也有一些則會先用替身拍，再自己上陣去做一些能做的動作。比如郭富城也能打的很好，我們認識的時候他跳舞已經很棒了，在《赤腳小子》里吊威亞，看起來像真的會打一樣。
降格用的多嗎？
要看動作而定。我們正常拍一般用25格，但也有用23格的，拍洪金寶時永遠都是22格，因為當時的功夫片一慢就不好看。到80年代以后，吳宇森開始用high speed，《英雄本色》里就有很多。每個階段風格都不一樣，現在影片會合理的用升格，每個高手最厲害的那一招怕你看不清，就會用，其他時間用正常格拍。
不同類型的電影，在拍攝上會不會有難易程度的不同？
拍戲就好像做廚師一樣，每道菜都有一種烹飪的方法。我們拍戲之前自己會考慮，比如拍槍戰片的時候要想想近幾年的同類作品，盡量不要跟別人一樣，看劇本的時候要想好每個鏡頭要怎樣去處理，給觀眾不同的感覺；喜劇的話，則找到搞笑的梗，去思考如何用鏡頭將其放大。
不同的類型片，在器材上的選擇有沒有規律？
這個是肯定的。愛情片對畫面的要求很高，要拍的很漂亮，我會選擇Alexa，但拍動作片，要過雪山、進沙漠，我肯定用EPIC，輕便。兩部攝影機畫質上有差距，如果Alexa打80分，EPIC可以打60-70分，但后期可以花多點時間將差距拉到最小，這樣的話在整個制作過程中會方便很多。另外現在又很多3D拍攝，兩臺Alexa太笨重，用兩臺EPIC就要輕便很多。
電影一般都是導演主導，作為攝影師如何將自己的特長發揮出來？
最主要還是多溝通。導演想要什么樣的效果肯定他自己最清楚，但你看過劇本之后有什么想法可以和導演交流，他信任你就會采納你的意見，如果完全按照他的要求去拍，那么自己就太被動了。
喜歡哪幾款攝影機？
真正開始用數字攝影機也就是這幾年的事情，目前用Alexa和RED比較多，其他如Panasonic也用過，但印象不深。不過對于我們攝影師來說，每臺攝影機的性能都要百分百了解，才知道拍攝么戲選擇什么樣的機子。目前來講，對畫面有高要求的文戲我會選擇Alexa，動作戲則交給RED。
膠片時代現場看不到畫面，拍攝流程是怎樣的？
現在我們有了監視器，導演隨時可以看到畫面，數據百分之九十一模一樣。膠片時代我們拍戲時導演從來都看不到畫面，所以拍攝時要跟導演講，兩個演員在畫面中大概多大尺寸，他要自己劃分演員的比例，當天拍完，最快也要明天下午才可以看到。我們要求沖印公司每天都洗出來，這樣第二天開工前會先去公司看一遍再開拍，比較有要求的影片都是這樣的。也有低成本的電影，可能一個星期才去洗印公司看片，發現拍的不好再重新補拍。
內地有些小成本電影，用膠片機的時候為7節約成本，會讓演員先走位，覺得差不多7才開拍，香港也是這樣嗎？
香港基本不會這樣去做，但新導演也不會拿到很多膠片拍戲，通常一部電影剪出來是8000-9000尺，但可能最多給你40000尺。動作片和槍戰片比例會高一些，5：1或6：1。吳宇森拍片的時候可能就是5：1。
如何看待技術的演變？從黑白到彩色、4：3到寬銀幕、從膠片到數字，分辨率也越來越高。
我沒接觸過黑白，入行就開始用柯達的彩色膠片。雖然早就演變到彩色電影，但有些導演會有拍黑白的需求，為了方便，多數都會將彩色交卷沖洗成黑白，但顏色上和黑白膠卷還是有差距，白色偏黃，黑色偏灰，像《辛德勒名單》這種是特例，用黑白膠片反而拍攝成本更高了。在畫面比例方面，我入行開始就是1：1.85，是歐洲寬銀幕的標準，比現在的寬銀幕小一點，而現在的IMAX又回到4：3，每個時代的要求都在變化吧！
膠片到數字的變革如何適應？
相對而言，數字攝影機比較容易掌握。畢竟有攝影基礎，在拍攝過程中已經可以看到成品，如果有問題可以馬上改，這是數字時代最大的便利。拍攝時的亮度也可以根據150隨時調整，不像膠片的感光度是固定的。膠片時代大家用的膠片一樣，鏡頭也一樣，所以掌握的好不好很重要，現在多機位很保險，如果你擔心整部戲看起來很暗，用Alexa會比較放心，它在黑暗中的表現很出色，熟練運用器材后，拍什么戲都會把握的好。
數字代替膠片是重要進步，但也帶來爭議性，不少導演都還是支持膠片，對此你有何看法？
我也聽說還有不少導演在堅持用膠片，侯孝賢、杜琪峰等。
但對于大家強調的“膠片質感”，現在也越來越不明顯了。也許三年前你一眼就能看出來數字和膠片的區別，但近兩年很難再做區分。隨著數字技術的發展，二者的質量已經很接近。三年前已經開始流行用數字攝影機，我為什么不用呢？試片的時候大家都知道是數字機拍攝的，它的黑色只有全黑和少量的淺灰色選擇，膠片的黑色有黑、灰等多層次感，目前的數字機已經做的很好，跟膠片差不多接近了，CMOS越來越大，只有專家次啊能看出細微的差別。
如果將來再也沒有膠片，在你看來會不會是一種缺憾？
對于我們老一代的攝影師沒什么，新一代的攝影師可能是個遺憾，因為他們可能沒有機會再接觸膠片了。我們則將膠片和數字時代都經歷了?，F在很多電影都要拍3D，做特效的話，更是需要數字攝影機才方便，所以，數字攝影機是巨大的進步。
現在的調色技術，是否能達到和膠片一致的效果？
如果膠片100分的話，現在的數字能拿到80、90分吧！但要細究的話多少還是會有差別，但時代變了，膠片不生產，我們也只能向前看。
數字拍攝比膠片時代節約多少成本？
以前在香港，膠片的成本大概是兩塊錢一尺，膠片沖洗費用大概要10多萬，沖洗、剪片、拷貝花費很多。現在數字機沒有膠片的成本，但剪輯更加辛苦，每部片子至少用兩三臺攝影機，拍完回來挑鏡頭、剪輯才是最辛苦的，攝影師也很少會介入到剪輯環節，所以我現在很擔心，一些拍的很好的畫面，導演和剪輯也不一定有時間仔細看，都剪掉了。
提名香港金像獎7次，但都沒有獲獎，如何評價金像獎的口味？三次輸給杜可風（英雄本色vs老娘夠騷、喋血街頭vs阿飛正傳、和平飯店vs墮落天使、）怎樣看待杜可風攝影？
我覺得拿獎是要講緣分的，當然，也要承認確實對手太強。我提名的很多都是動作片，通常金像獎喜歡把獎頒給文藝片，杜可風在我看來，是大師，他有很強的自我風格，比如《阿飛正傳》，我也非常喜歡，他跟王家衛一起的作品特別好看。而拿不拿獎對我來說并不是最重要的，很多人也像你一樣，會時常跟我提到《一個字頭的誕生》，拍攝的作品能得到你們的認同已經很開心了，反之，就會有點失落。
香港和內地電影很少能在國外拿獎，你覺得我們的差距有多大？差在哪？
我們跟好萊塢用的器材都是一樣的，但人家做出來就是要先進一些。很多東西我們還是人手去做，好萊塢已經開始用電腦，即便都是用綠幕做特效，差距也還是挺大的。除了技術上的差距，在攝影環節也有差距。好萊塢每個環節分工很細，有專門的工程人員，負責搭建模板等等，但我們沒有這些，就算是預算足夠的電影花時間去做，也都沒有那么完美。好萊塢十幾年前就開始用Cable Cam，這在國外很普通，也都是由專門的工程部門設計出來的。但我的想法其實很前衛，早在《英雄本色》的時候，片尾狄龍那場戲，我就想用直升機來拍，當時還沒有航拍的小飛機，但當時的預算明顯不允許，包括最后狄龍被警車圍住，其實連警車都沒有幾輛，我用了一些紅藍燈，交替閃爍做出來的效果。
有沒有想過什么時候退休？
沒有想過，真的有一天再也沒有人找我拍片，或者身體撐不住了才會退休吧！現在進片場比沒有工作更開心。其實現在已經很幸運了，我剛入行的時候，我的前輩通常都是五十出頭就退休，我現在55了，還能繼續工作，所以現在我更珍惜拍攝的每一部戲，所以會減產，5年拍10部戲，但一定都會選擇最有價值的，賺錢已經不是我的第一想法。
